TALLERES

Jokin Oregi

Dramaturgo y director, es conocido por sus trabajos en la compañía Marie de Jongh, aunque también ha colaborado con compañías como Gorakada, La Baldufa, Arena en los Bolsillos, Zum-Zum, La Mar, Yarleku, Vaivén circo, La monto o Engruna Teatre.

En su carrera ha recibido numerosos premios tanto como dramaturgo como director. Le gusta referirse a sí mismo como escritor de espectáculos ya que, generalmente, no hace distinción entre escribir y crear.

Lucía Miranda

Directora de escena, gestora cultural, dramaturga y arte-educadora. 

Es fundadora de The Cross Border Project, compañía que trabaja en la intersección de las artes escénicas y la educación, y cofundadora del colectivo internacional País Clandestino.

Ha obtenido el Premio El Ojo Crítico de RNE de Teatro 2018, el Premio José Luis Alonso para Jóvenes Directores de la Asociación de Directores de Escena (ADE) 2013 y la Mención Especial del Jurado de Almagro Off 2011. Sus espectáculos se han estrenado en ciudades como Nueva York, Miami, Guayaquil, Madrid y Barcelona, obteniendo los premios ACE y HOLA en Nueva York o el ONU Woman de América Latina contra la violencia de género.

Como dramaturga ha publicado en Ediciones Antígona Fiesta, Fiesta, Fiesta (finalista a mejor autoría teatral Premios Max 2019; Casa; Nora,1959 (CDN) y Alicias buscan Maravillas (V Laboratorio de Escritura Teatral SGAE), espectáculos que también ha dirigido. Ha coescrito País Clandestino, que ha girado por festivales en Argentina, São Paulo, Uruguay o Portugal.

Como artista-educadora ha coordinado proyectos de teatro aplicado a la educación y la transformación social en América, Europa y África. Desde el 2020 es la coordinadora pedagógica de Nuevos Dramáticos, el proyecto para infancia del CDN.

Tiene un Máster en Teatro y Educación por la New York University y un Máster en Gestión de Artes Escénicas por el ICCMU-Universidad Complutense. Es miembro del Director´s Lab del Lincoln Center de Nueva York.

MESA DE PROYECTOS: LA EDICIÓN Y LA CIRCULACIÓN DE TEXTOS TEATRALES PARA PÚBLICO INFANTIL Y JUVENIL

Boris Schoemann

Director, actor, traductor, editor y docente teatral nacido en Francia en 1964. Reside y desarrolla sus actividades profesionales en México desde 1989, país donde se naturalizó. En 2000 funda la Compañía Los Endebles y desde entonces es director artístico del Teatro La Capilla en la Ciudad de México y de la editorial Los Textos de La Capilla Segunda Época.

Ha traducido y dirigido obras de dramaturgos franceses y canadienses contemporáneos y ha montado y traducido al francés textos de autores mexicanos. Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en dos ocasiones y ha recibido distintas becas del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, la residencia del Centre des Auteurs Dramatiques de Quebec, de traducción del Centro Internacional de Traducción Literaria de Banff, Canadá.

Ha participado en el Seminario Internacional de Traductores Teatrales de Montreal y en el Word Exchange del Lark Play Development Centre de Nueva York. Es creador y director de la Semana Internacional de la Dramaturgia Contemporánea desde el 2002. Fue co-director artístico de la Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana de 2005 a 2013.

Recibió el Premio al Mejor director de Teatro de búsqueda de la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro en 2006. En 2009 obtuvo la medalla de la Gobernadora General de Canadá por favorecer el desarrollo cultural entre México y Canadá, y en 2012 recibió la medalla de los francófonos de América. En 2019 celebró sus primeros 30 años en México con el ciclo “Carrusel Teatral” del Centro Nacional de las Artes, en el que presentó 6 obras en repertorio de la Compañía Los Endebles.

Ha dirigido más de 80 puestas en escena para niños, adolescentes y adultos y actuado en cerca de 40.

Emile Lansman

Psicopedagogo de formación, Emile Lansman ha asumido progresivamente cinco funciones: profesor, periodista, programador, formador y editor, lo que le ha convertido en testigo activo del desarrollo del teatro francófono (sobre todo para niños y adolescentes) desde 1968. Su doble formación (pedagógica y cultural) le ha llevado a trabajar a distintos niveles en todo el mundo francófono.

Durante 27 años dirigió la asociación belga théâtre-éducation, ayudó a fundar la Asociación Internacional de Teatro y Educación (IDEA) y entre 1999 y 2017 fue experto artístico, luego presidente y finalmente coordinador de la Commission internationale du théâtre francophone (CITF).

Desde 1989, también ha desarrollado una importante actividad editorial: 1.410 obras publicadas hasta la fecha, que representan unas 3.000 obras de teatro, un tercio de las cuales son para público joven. Los autores proceden de todo el mundo francófono (Europa, África y Norteamérica). En la actualidad, sigue poniendo su experiencia de «barquero» al servicio de los proyectos que le solicitan los socios.

Es Oficial de la Ordre des Arts et Lettres de Francia y miembro de la Ordre des Francophones d’Amérique.

Marie-Pierre Cattino

Marie-Pierre Cattino es editora y autora.

La creación de la editorial Koïnè en 2011, por Christian Bach, surge de la constatación de que el papel de los/las dramaturgos/as es la piedra angular de las artes escénicas y de la falta de espacio entre directores/as y autores/as. Koïnè se ha expandido internacionalmente desde 2020, primero en países de habla inglesa, después en Grecia, India, España y Alemania. En 2020 ganó el Gran Premio de Literatura. Desde entonces se han creado tres colecciones, “Les incursions”, “Échos” y “Trajectoires”.

Marie-Pierre Cattino escribe teatro desde 2006, por lo que también se ha aventurado en la edición, con un espíritu de cooperación. Sus temas van desde la intimidad de las familias, la historia, la de los inmigrantes, la de los niños que reinventan el mundo para embellecerlo. Marie-Pierre Cattino escribe tanto para jóvenes como para público en general. Top modèle dans les airs, fue mostrada por ASSITEJ-France, en el marco del programa Un jour un auteur. La vallée aux pommes, una obra para niños que habla de la guerra, ha sido traducida y representada en diferentes idiomas, con el apoyo de la Asociación Beaumarchais, los Institutos Franceses y la Scop. Cattino ha viajado a por países como el Congo, Túnez, República Checa o Egipto, pasando por diversos festivales interescolares y profesionales.

Obtuvo la ayuda a escritores Île de France en 2015-2016. En 2022, recibió el apoyo creativo de Artcena con Dans ses yeux. También está escribiendo una adaptación cinematográfica de la obra, en el marco de una colaboración para su transmisión, con Les Films du Lion. En abril y mayo de 2024 hará una residencia en el Circa de Aviñón, en colaboración con Sabine Revillet: A l’affût de l’imperceptible, paseos exploratorios.

Maddie Hindes

Nick Hern Books (NHB) es la principal editorial especializada en artes escénicas del Reino Unido, con más de 2.000 obras y libros de teatro en su catálogo.

NHB es la casa de muchos de los dramaturgos y dramaturgas contemporáneos más interesantes y reconocidos de la actualidad, y trabaja con los principales teatros y productores del Reino Unido e Irlanda para publicar nuevas obras junto con sus producciones profesionales. También publican guías prácticas especializadas -sobre disciplinas como la interpretación, la escritura, la dirección, la producción y el diseño- para apoyar a los creativos en su propio trabajo y carrera.

NHB también concede licencias para la representación de sus obras a aficionados, lo que facilita las producciones en escuelas, teatros juveniles, universidades, teatros comunitarios y otras entidades de todo el mundo.

Maddie Hindes es editora asociada en Nick Hern Books, donde trabaja desde 2018. Su papel implica la adquisición de obras de teatro contemporáneas, y el trabajo editorial en nuevas publicaciones. Uno de los proyectos que ha supervisado es Multiplay Drama, una emocionante serie de obras de gran reparto, escritas específicamente para ser representadas por jóvenes. Antes de incorporarse a Nick Hern Books, trabajó en el National Youth Theatre of Great Britain y en el Battersea Arts Centre. Maddie es una ávida aficionada al teatro, con un profundo conocimiento del estado de la dramaturgia moderna en el Reino Unido.

Conchita Piña

Licenciada en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid, es cofundadora de EDICIONES ANTÍGONA, una editorial especializada en la publicación de textos teatrales contemporáneos. Dentro de la editorial dirige las colecciones de Teatro, Filosofía y Crítica teatral. Es responsable, además, del proyecto cultural, educativo y de desarrollo internacional de la editorial.

Colabora con el IEMA (Instituto de Estudio del Mundo Antiguo), filial de Ediciones Antígona, un centro de investigación que desarrolla una labor de difusión del conocimiento sobre la Antigüedad a través de cursos, actividades de fomento de la investigación y talleres formativos.

También de la mano de Ediciones Antígona, ha fundado Conchita Piña Agencia de Teatro, una agencia de representación encargada de promocionar y difundir la dramaturgia más actual. Es cofundadora de la Liga de las Mujeres Profesionales del Teatro.

Forma parte desde 2014 del comité español de EURODRAM la red europea de traducción teatral en lenguajes europeos, mediterráneos y de Asia Central.

Desde 2019 es Académica de las Artes Escénicas de España. Es socia de ASSITEJ (Asociación Internacional de Teatro para la Infancia y la Juventud) y de ANILIJ (Asociación Nacional de Investigación en Literatura Infantil y Juvenil).

Como actriz, ha estrenado en el Teatro Lara de Madrid su tercer espectáculo de poesía Ejercicios de filosofía para caer de pie, con dirección de Juan Carlos Rubio.

Miguel Rojo

Miguel Rojo (Madrid, 1985) hace teatro y escribe libros.

Dirige junto a Javier Hernando la compañía de teatro Los Bárbaros. Sus últimas piezas son la trilogía: Obra inacabada, Obra infinita y Obra imposible, que estrenaron en el Teatro de la Abadía, el CDN y el CCC Conde Duque respectivamente.

Sus últimos libros son Zeta (La Uña Rota, 2021) y El decorado (Pre-Textos, 2023). En 2024 publicará Naunet y el mar en Anaya, ganadora del XXIV Premio SGAE de Teatro Infantil.

MESA DE DEBATE: LA INVESTIGACIÓN EN LA DRAMATURGIA

Marina Bollaín Pérez-Mínguez

Directora Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música.

Marina Bollaín (Madrid, 1967) es doctora por la Universidad Complutense de Madrid en el programa Lengua y Literatura en los medios de comunicación y está en posesión del título de Máster de Artes Escénicas, también por la UCM.

Ha obtenido tres licenciaturas: en 1993 obtiene en Madrid la licenciatura en Filología Alemana en la UCM y se traslada a vivir a Berlín, donde reside once años y obtiene dos licenciaturas en la Escuela Superior de Música “Hanns Eisler”: Titulo Superior de Canto y Título Superior de Dirección Escénica de Ópera y Dramaturgia. Ha sido becaria de la Academia de España en Roma en la especialidad de Artes Escénicas.

Ha sido Catedrática de Escena Lírica en la Escuela Superior de Canto de Madrid y profesora de Repertorio en Escena en el Conservatorio Superior de Música del País Vasco Musikene.

Sus montajes teatrales se caracterizan por un trabajo de dirección de escena, adaptaciones y nuevas dramaturgias. Entre ellos destacan: La Verbena de la Paloma, Adiós Julián, Cuerpos deshabitados, La ópera de tres peniques, La Regenta, Harragas, Le nozze di Figaro, Bastian y Bastiana, La voix humaine, Pierrot Lunaire, Die Fledermaus, Dido y Eneas, La del Manojo en la T4 y los espectáculos infantiles La gallina submarina, El Duende Calcetín e Historia de Yuco.

Ha cantado como artista invitada en distintos teatros entre otros en la Oper Leipzig, Salzburger Festpsiele, Komische Oper Berlín, o el Volkstheater Rostock, y ha formado parte de la asociación Yehudi-Menuhin Stifftung Live Musik Now, realizando numerosos conciertos como solista. Además, realiza conciertos de cámara para delegaciones españolas en el extranjero especializándose en música española y ha grabado tres discos compactos con canciones de Federico García Lorca, Fernando Sor y Enrique Granados.

Ha trabajado como actriz en las películas Las dos orillas y Dime una mentira, por la que recibió el premio a la mejor actriz ex aequo con Icíar Bollaín en el Festival de Cine de Gijón 1992.

Berta del Río

Berta del Río Alcalá es trabajadora cultural.

Doctorada en la Universidad de Princeton (EEUU) con la tesis “Teatralidades disidentes: prácticas ciudadanas e imaginarios democráticos (España, 1964-1992)”, ha coordinado el proyecto multidisciplinar “Veus i arxius del teatre independent valencià” (IVC) y el estudio “Anàlisi de les tendències de la dramatúrgia valenciana de l’etapa 2010-2020: un exemple d’autores i autors de l’AVEET” (AVEET).

Forma parte de los grupos de estudio Histopía (UCM) y UtopiAtlántica (CSIC). Está escribiendo el libro de los 50 años de L’Horta Teatre.

Es la responsable de Comunicación de Acerca Cultura Madrid y forma parte de Yo Cuento Teatro y SinEspacio Teatro.

María J. Caamaño

Profesora Contratada Doctora en el área de Didáctica de la lengua y la literatura de la Universidade de Santiago de Compostela.

Doctora en Filología Hispánica, con una tesis realizada dentro del Grupo de Investigación Calderón de la Barca (GIC), su ámbito de especialización se centró inicialmente en la edición crítica de textos literarios y el teatro español del Siglo de Oro.

En los últimos años ha ampliado estas líneas de investigación hacia el ámbito de la didáctica de la literatura, fundamentalmente en lo relacionado con la expresión dramática, la educación literaria y la literatura infantil y juvenil.

Ha publicado monografías, artículos en revistas especializadas, capítulos de libro y reseñas sobre los temas señalados.

Eva Llergo

Doctora en Literatura española por la Universidad Complutense de Madrid (UCM) con una especialidad en teatro. Tiene estudios de Dramaturgia por el Taller Permanente de Teatro de la UCM. Desde 2012 está centrada en investigación sobre teatro infantil y juvenil. Trabaja en facultades de Educación impartiendo Literatura infantil y juvenil y su Didáctica en la UNIR, Universidad Nebrija y Universidad Camilo José Cela.

Forma parte del grupo de Investigación de la UCM “Educación literaria y Literatura infantil (ELLI)” desde 2016 y del grupo de investigación “Literatura, Educación y Cultura (LEC)” de la Universidad Camilo José Cela. Así mismo es miembro de los proyectos de investigación “Literatura infantil y juvenil actual. Cultura y Educación (LIJACE)” (2020-2021) y “Literatura infantil y juvenil actual. Cultura y Educación (LIJACE-Nove)” (2022-2023).

Es creadora y directora de la revista digital de teatro y artes escénicas para bebés, infancia y juventud El pequeño espectador desde 2015. En 2018 fundó junto con Ignacio Ceballos la compañía De boca en boca (continuación de El Aspersor, fundada en 2005) con la que realizan, distribuyen y producen espectáculos de artes escénicas destinadas a la infancia y la juventud. En 2021 publicó su obra teatral destinada a adolescentes Tonto, loco, salvaje (Editorial Ñaque) que fue estrenada en el teatro Tyl Tyl de Navalcarnero en 2022, encontrándose actualmente de gira por España. Es autora también de la obra juvenil Europía, tierra de nadie que será estrenada en 2025.

Fernanda Medina

Responsable del Centro de Documentación Escénica del Institut Valencià de Cultura.

Fernanda Medina (València, 1963). Grado en Cerámica artística (1985). Licenciada en Psicología (1989). Se especializó inicialmente en lectura y literatura infantil y juvenil. Entre 1991 y 1995 realizó diversas iniciativas relacionadas con la narración oral de cuentos ilustrados.

Master en Biblioteconomía y Documentación (1992, CEU San Pablo). Posgrado en Procesos Editoriales (2001, UOC). Posgrado en Producción, uso y recepción de la literatura infantil y juvenil (2011, UAB, Banco del Libro).

Docente en el Diploma en Gestión de las Artes Escénicas (UV-ADEIT, 2002-2004) y en el Master Interuniversitario de Gestión Cultural (UV-UPV, 2006-2009).

Coautora del libro Abrir en oscuro: materiales para una historia de la escena valenciana y editora del blog Tecnicolor: un mundo iluminado, dedicado al álbum ilustrado.

Desde 1995 es la responsable del Centro de Documentación Escénica del Institut Valencià de Cultura (antes Teatres de la Generalitat). En 1998 crea Peripecia, una base de datos de artes escénicas en línea cuya filosofía es hacer gravitar todas las piezas documentales de una puesta en escena alrededor del registro de un espectáculo, como germen de la construcción de la memoria escénica valenciana.

Coordinadora de la base de datos de dramaturgia valenciana Dramatea, complementaria de Peripecia, del espacio documental Espacios de trabajo y del proyecto de investigación histórica Voces y archivos del teatro independiente valenciano. Es editora de la revista de investigación en artes escénicas Escena Valenciana y de las tres colecciones editoriales de artes escénicas de la entidad: Textos en escena, Insula Dramataria y Caleidoscopio.

MESA DE DEBATE: LA DRAMATURGIA EN LA DANZA

Fernando Leija Flores (Flores TeatroDanza)

Creador escénico, coreógrafo e intérprete mexicano.

Codirector de Flores TeatroDanza, compañía que es miembro de VINCULAR, Red Latinoamericana para los Primeros Años, conformada por compañías de Argentina, Brasil, Chile, España, Uruguay y México. Los/las artistas y compañías que integran esta red comparten el interés de crear propuestas escénicas de calidad profesional para niñas y niños en los primeros años, de manera responsable y comprometida, a partir del respeto y la sensibilidad para con el público.

Amante de la imagen en movimiento, el lenguaje corporal y el trabajo con objetos, su propuesta escénica navega entre la danza teatro, el teatro físico y el clown.

Dentro de Flores TeatroDanza ha codirigido y dirigido diversas creaciones para publico general y para infancias como: Flores para los vivos, Nan, Miedo come todo… sueños al vuelo y Ni tan chico, ni tan lejos.

Su trabajo como creador e intérprete se ha presentado en diversos foros y festivales tanto dentro como fuera del país, algunos de ellos son: FITPA (GDJ), 42 Muestra Nacional de Teatro (COAH), ENARTES (CDMX), Festival José Limón (SIN), Cuerpos en Transito (BC), Festival de Calaveras (AGS), Muestra Estatal de Teatro Rafael Solana (TAM), Festival Lila López (SLP), Festival Itinerarte (MTY), Encuentro Nómada (Medellín), Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle (Valladolid), Bilboko Kalealdia (Bilbao), FETEN (Asturias) entre otros.

Beneficiario en dos ocasiones del Programa de Estímulo para la Creación y Desarrollo Artístico de Tamaulipas. Beneficiario del programa Jóvenes creadores del FONCA, 2021-2022.

En el 2018 gana el premio a mejor obra infantil y mejor actor en la XXXVIII Muestra Estatal de Teatro Rafael Solana en Tampico, Tamaulipas.

Actualmente radica en Coatepec, Veracruz, desde donde colabora con diferentes proyectos y continúa enriqueciendo su universo creativo.

Paula Romero (La Coja Dansa)

Bailarina y coreógrafa interesada en la práctica de la danza como potencia. Piensa el movimiento como generador de relaciones políticas y de comunidad entre cuerpos. También le interesa la plástica del cuerpo y su posible relación con otros dispositivos. Sus trabajos mutan en forma y formato según los diferentes espacios en los que trabaja. Así, se mueve en contextos teatrales pero también en museos y diferentes arquitecturas en el espacio público.

Graduada en Coreografía e Interpretación de danza contemporánea por el Conservatorio Superior de Danza de València, así como por el Conservatorio Profesional de Danza de València. Forma parte del Programa de estudios Articulacions del IVAM-UV-UPV 2022/23. En 2010 prosigue sus estudios en Italia en el curso de perfeccionamiento para profesionales Módem Studio Atelier de la Compagnia Zappalà Danza (Catania). Desde 2012 hasta 2014, trabajó con varias compañías italianas: Petranura Danza, Twain Physical Dance Theater y Compagnia Loris Petrillo Danza.

También colabora con compañías como La Coja Dansa, R.O.P.A, Panicmap, Atiro Hecho, Fil d’arena, Visitants Teatre, De Soprano y Arpa o el creador Vicent Gisbert. Como coreógrafa, ha colaborado en los montajes del IVC (Tot explota y RMINDS), así como en proyectos de otras compañías. Forma parte del colectivo Les Juntes y ha colaborado en la creación de piezas con artistas como la ilustradora Eixa o el artista sonoro Martí Guillem representadas en festivales como Dansa València o Migrats.

Como docente imparte clases y talleres en varios centros privados. También ha impartido talleres en el Conservatorio Profesional de Danza de València.

Recibe el Premio extraordinario de la Comunidad Valenciana 2009 al finalizar sus estudios en el CPDV y el premio Bailarina Destacada 2021 de la APDCV (Associació de Professionals de Dansa de la C. Valenciana).

Enrique Cabrera (Aracaladanza)

Coreógrafo argentino, residente en Madrid desde 1989, es el impulsor y el alma creativa de Aracaladanza, compañía que funda en 1995 tras obtener el premio al coreógrafo sobresaliente del VIII Certamen Coreográfico de Madrid.

Con una formación ecléctica alcanzada en los más prestigiosos centros de estudios de artes escénicas de Buenos Aires, Enrique Cabrera formó parte de los elencos estables de las compañías de danza contemporánea más importantes de Argentina.

Pionero en la concepción de espectáculos de danza para público familiar, su trabajo ha llamado la atención en Europa y Asia, donde se ha convertido en referente creativo.

Además de su trabajo como coreógrafo, ha sido director de algunos montajes musicales, entre los que destaca los realizados para el Palau de la Música, el Auditori de Barcelona y la Philharmonie de Paris.

Ganador del Premio Coreografía de Danza Antonio Ruiz Soler 2005, que concede el Ayuntamiento de Madrid por su obra ¡Nada…Nada!. Enrique Cabrera también ha creado coreografías para agencias de danza y compañías británicas; ha compartido experiencias con coreógrafos/as, educadores/as, escritores/as, pintores/as y cineastas de talla internacional; ha formado parte de diferentes jurados de danza y ha ofrecido clases magistrales en universidades y escuelas de arte dramático y danza.

Xavo Giménez (La Teta Calva)

LA TETA CALVA nace y se reproduce en 2014. María Cárdenas y Xavo Giménez inician su viaje teatral con la pieza de Giménez, Penev, y siguen con Síndrhomo, de María Cárdenas, creada para el Festival Cabanyal Intim de 2015. Es por ese año cuando emprenden recorrido en el teatro infantil con El oro de Jeremías, una obra de teatro de objetos, musical y texto basada en el lejano oeste. Y de vaqueros familiares a vaqueros solitarios, Giménez escribe e interpreta Llopis, un western urbano y primer monólogo de la compañía.

Cárdenas y Giménez crean la versión del clásico de Mark Twain Les Aventures de T. Sawyer para el Centre Teatral Escalante. El tambor de Cora será el siguiente trabajo para todos los públicos, una obra que enfrenta la vida y la muerte en la historia de un niño que necesita un nuevo corazón porque el suyo se ha helado.

En el Teatre Musical de Valencia estrenan Qué pasó con Michael Jackson, Una pieza sobre el éxito y el fracaso, y en el siguiente año presentaron El muro, una versión castiza y bizarra basada en The Wall, de Pink Floyd, estrenada en el Teatro Principal de Valencia.

Su último trabajo infantil es Hay una sirena en mi salón, teatro inclusivo que nos cuenta la historia de una niña que no puede caminar pero que puede con todo lo demás. Teatro sin barreras ante los miedos. Estrenan la pieza corta El camino de las cabras, de María Cárdenas, para el festival Cabanyal Intim.

Su última obra es Espaldas de plata, teatro punzante que mezcla la política y los principios de segunda mano. Giménez y Cárdenas dirigen y escriben para otras compañías de danza, música y teatro como Marea Danza, Mosquitas Muertas, La Negra, Malatesta, Miquel Ausina, Russafa Escènica, La Escuela del Actor, Purna Teatre, Hongaresa o el Institut Valencià de Cultura.

El teatro de La Teta Calva transita entre las dramaturgias sociales, donde la persona y su desestructurado entorno vital son las piezas de cada una de sus obras. Un teatro cercano y basado en la palabra, en el humor punzante, en la proximidad, por no decir intimidad y, por encima de todo, en el actor como herramienta fundamental de un teatro cercano y despojado de artificio.

Raúl León Mendoza (La Coja Dansa)

La Coja Dansa lleva desde 2003 evitando ser reconocible y dando saltos de un formato a otro. Desde piezas más convencionales (siempre apostando por una dramaturgia herida y cosida) a experimentos con los que ninguna otra compañía se atrevería a trabajar. Hemos llenado una sala de corcho, hemos montado una pista de hielo sintético en un teatro y hemos aprovechado las escenografías de las piezas que nos precedían, de otras compañías y de otras funciones, para montar nuestras piezas. También tenemos piezas normales con las que nos han seleccionado en un montón de sitios e infantiles con los que hemos hecho giras larguísimas. Nos han llamado de todo, pero contamos con un montón de buenas amigas que nos siguen y nos aprecian. También tenemos a unas cuantas programadoras enamoradas, y con eso vamos tirando.

Raúl León es profesor asociado en el Departamento de Escultura de la Universistat Politècnica de València. Doctor en Bellas Artes por la UPV y Máster en Artes Visuales y Multimedia (UPV). Miembro del grupo de investigación Laboratorio de Luz (UPV).

Su producción e investigación se centran en la cultura visual y la práctica escénica contemporánea. Como profesional de las artes escénicas, ha mantenido una posición de investigación continúa sobre nuevas dramaturgias asociadas con la tecnología. Esta incursión de la tecnología en la escena se ha materializado a través del uso del video como un elemento con capacidad de acción sobre la dramaturgia y el cuerpo de los y las intérpretes.

Clara Crespo (Fil d'Arena dansa-teatre)

Fil d’Arena dansa-teatre surge en 2011, como un lugar donde materializar las inquietudes que nos surgen como colectivo. Nuestro lenguaje es el movimiento y nuestra herramienta el cuerpo.

Compañía multidisciplinar compuesta por cuatro mujeres, que se organiza de manera horizontal, realizando creación colectiva. La creación colectiva es un sello que define a la compañía, en cada unos de nuestros procesos de creación los integrantes ponen sus mejores habilidades artísticas, personales y profesionales para llevar a cabo el proyecto.

Otra característica de Fil d’Arena es intentar acercar la danza a todo tipo de públicos y llegar a conectar con la sociedad. La compañía genera diferentes proyectos de danza comunitaria como The Big Dance en 2016 o Pina Deltebre en 2019. También adapta sus espectáculos para ser representados en la calle o en otros espacios no convencionales.

Desde su nacimiento han estrenado ocho obras: Café Sol (2011), La Consagración de la Primavera (2014), La Sal que ens ha Partit (2015), Salt (2017), Cos a Cos. E111 (2019), Nina (2019), Senia (2020), Nimbes (2021).

La compañía tiene proyección nacional e internacional y desde 2015 recibe el soporte del Instituto Valenciano de Cultura, del Programa Acción Cultural del Ayuntamiento de Valencia y de INAEM, así como de entidades locales como las Residencias de Creación de la Carme Teatre en 2017 o el programa de residencias Graners de Creació 2019-2022.

Clara Crespo Domingo es directora, bailarina, coreógrafa y actriz.

Máster en dirección escénica por la UNIR, Graduada en Arte Dramático, Licenciada en Coreografía y técnicas de la interpretación en el Conservatorio Superior de Valencia.

Co-fundadora de la compañía Fil d’Arena ha trabajado como directora, coreógrafa y bailarina en esta y otras compañías.

MESA DE DEBATE: LA DRAMATURGIA EN LAS ESCUELAS SUPERIORES DE ARTE DRAMÁTICO

Itziar Pascual

Itziar Pascual es dramaturga, investigadora, pedagoga y periodista.

En 2019 recibió el Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia, del Ministerio de Cultura, siendo la única dramaturga que ha logrado esta distinción, y en 2022 le fue otorgado el Premio ASSITEJ España.

Es autora del ensayo Suzanne Lebeau. Las huellas de la esperanza (ASSITEJ España) y sus obras de teatro para la infancia y la juventud han sido premiadas, publicadas, estrenadas y traducidas.

Nacho Ortega

Director y profesor titular de la Escuela Superior de Arte Dramático del Principado de Asturias, es Miembro de la Permanente del Consejo Superior de Enseñanzas Artísticas, miembro de la Junta directiva de ACESEA (Asociación Española de Centros Superiores de Enseñanzas Artísticas) y miembro de la Academia de las artes escénicas, ASSITEJ, SGAE y AISGE.

Es licenciado en Historia del arte por la Universidad de Valladolid, Máster en Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid y Máster Universitario en Lengua Española y Lingüística por la Universidad de Oviedo, donde desarrolla su Doctorado “Semiología y estética de la recepción teatral” en Investigaciones Humanísticas.

Desde el año 1998, que da sus primeros pasos como actor profesional, ha desarrollado una actividad continuada en el ámbito escénico, actualmente centrada en la compañía Luz de gas Teatro.

Gemma Quintana Ramos

Licenciada en Economía y Máster en Humanidades por la Universidad Carlos III de Madrid. Ha sido coordinadora de producción en el Teatro de la Abadía de Madrid y en la productora canaria Unahoramenos. Actualmente ultima el Máster de Estudios Avanzados de Teatro de la UNIR con una investigación sobre recepción teatral y espectador infantil.

Además de la producción, en su carrera como gestora cultural se ha movido por el terreno de la mediación cultural y el desarrollo de proyectos de artes escénicas para público infantil y juvenil. Es creadora y asesora pedagógica de Teatrae, programa pedagógico del teatro Cuyás, que se desarrolla desde 2011. Desde 2019, coordina este programa, dirigido a público escolar y a la comunidad educativa. Como mediadora, conduce el evento Jueves del Cuyás, un encuentro entre creadores y espectadores, desde 2011; y ha sido la coordinadora de participación y responsable del área educativa del Laboratorio Galdós.

Ha dirigido el Colaboratorio Galdós, proyecto creativo, educativo y social del Laboratorio Galdós que ha desarrollado tres proyectos de creación colectiva con centros educativos: #Todoesnavegar (2018-2019), Episodios Extraordinarios (2019-2020) y En el umbral (2022-2023).

Es la autora del libro El teatro por dentro, dirigido a lectores a partir de 8 años, un libro para conocer el teatro como espacio de creación en compañía y su historia de más de 2000 años. Publica en Don Galán, revista de investigación teatral del Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música (CDAEM) y en Farándula.

Como dramaturga, se ha formado con autoras como Suzanne Lebeau (Quebec), Itziar Pascual (España) o María Inés Falconi (Argentina). Es diplomada en Escritura Dramática para Jóvenes Audiencias por Teatro UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México) y es socia y colaboradora de ASSITEJ. Actualmente imparte un módulo de Dramaturgia Infantil y Juvenil en la Escuela de Actores de Canarias, donde también es docente de Producción en Artes Escénicas.

Ha escrito El sueño de Max, estrenado en la Sala Josefina de la Torre del teatro Cuyás en 2017. Para la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria escribió y dirigió el concierto escenificado Yo, compositora para la celebración de los 30 años de sus Conciertos Escolares. Estrenó recientemente en el Teatro Pérez Galdós la obra familiar Cazopera, una versión libre del cuento de Ende La sopera y el cazo.

Dolores Galindo Marín

Jefa de estudios y profesora de Interpretación en la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia, doctora en Psicología y licenciada en Historia del Arte (Universidad de Murcia). Titulada Superior en Arte Dramático (ESAD Murcia).

Como docente ha impartido numerosos cursos de interpretación y comunicación en diferentes universidades.

Ha participado en más de 30 montajes para distintas instituciones y compañías de Murcia (Alquibla Teatro, La Murga y Mentira Teatro), de Alicante (Compañía Ferroviaria) y de Madrid (Compañía Juan Pedro Aguilar), destacando sus trabajos en: La casa de Bernarda Alba de F. García Lorca, El Jardín de los cerezos de A. Chejov (dirigidos por César Bernad); Pesadilla de una noche de verano de Howard Benton (dirección de Steve Nicholson); Baal de B. Brecht y Rapsodia Fulano de Tal, con textos de Müller, Becket e Ionesco (dirección de Antonio Saura); El despertar de Dario Fo (dirección de Ana López); Madame de Sade de Jukio Mishima, Delito en la Isla de las Cabras de Ugo Betti, ¡Estos Fantasmas! de Eduardo de Filippo (dirigidos por Javier Mateo); La suegra de Terencio (dirección Juan Pedro Aguilar, con el que hace una gira por Sudamérica) y Hamlet de William Shakespeare (con dirección de Paco Maciá y Javier Mateo), entre otros.

En su labor como profesora de Interpretación ha dirigido para la Escuela Superior de Arte Dramático montajes como Tío Vania, de Anton Chejov, El abanico de Goldoni, Primaveras de Aída Bortnik, El Saperlón de Gildas Bourdiet y los musicales: El escuadrón del milagro en colaboración con Encarna Illán, Chicago (Kander&Ebb) y A tiempo de tango (Textos de Sábato, Vázquez-Montalbán), Agua, Azucarillo y Aguardiente de Chueca y Valverde. Songs for a new World, entre otros.

Ester Alabor

Directora de la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia desde el 1 de julio de 2021.

Doctora en Musicología por la Universidad de Oviedo con la tesis “La compañía valenciana Bambalina Teatre Practicable: análisis de una poética escénica y musical en evolución (1981-2017)”, por la que obtiene la mención al Premio Extraordinario de Doctorado 2017.

Licenciada en Arte Dramático (especialidad Interpretación) por la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia en 1990 y en Filología Hispánica (especialidad Valenciano) por la Universidad de Valencia en 2001.

Amplía sus estudios en interpretación dramática de la mano de profesionales como John Strasberg, Paul Weibel, Michael López, Michael Stubblefield, Carme Portaceli, Emílio Hernández, Joaquín Hinojosa, Jorge Eines, Sol Garre, Jesús Aladrén, Sara Molina, Martín Adjemián, Maurici Farré, Rafael Pérez Arroyo, J. M. Chumilla Carbajosa, Alejandra Prieto, entre otros.

Ha trasladado la actividad artística al mundo académico y, fruto de esta experimentación, imparte docencia en:

Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia (cursos 96-97 y 98-99), Escuela Escalante Centro Teatral de la Diputación de Valencia (de 1994 a 2003), Escuela Superior de Arte Dramático del Principado de Asturias en Gijón (de 2003 a 2006), Conservatorio Superior de Música “Eduardo Martínez Torner” del Principado de Asturias en Oviedo (de 2006 a 2014), Escuela Superior de Arte Dramático del Principado de Asturias (de 2014 a 2017).

En 2008, obtiene por concurso-oposición el Título de Funcionaria de Carrera del Cuerpo de Profesores de Música y Artes Escénicas, en la especialidad de Interpretación.

Participa en el Proyecto de Innovación Educativa Educa con Música: “Desarrollo de competencias básicas a través de la música” promovido por la Consejería de Educación y Ciencia del Principado de Asturias y del proyecto “Aulas de Música en vivo” del CPR de Oviedo. Profesora en la Escuela Internacional de Música de la Fundación Princesa de Asturias de “Recursos del cuerpo humano aplicados al cantante” y “Escena Lírica”.

Como profesional del teatro, cuenta desde 1987 con una amplia experiencia como actriz, que desarrolló de acuerdo a dos líneas de actuación: el teatro institucional (Centre Dramàtic de la Generalitat Valenciana, Teatres de la Generalitat Valenciana, Diputació de València, Fundació Ausiàs March, etc.) y producciones y coproducciones con compañías privadas (Arden Producciones, La Cuina Teatre, Posidònia Teatre, etc.). Gracias a esto gozó de la dirección de profesionales como Darío Fo, María Ruíz, Carme Portacelli, Frederic Roda, Maurici Farré, Antonio Díaz Zamora, Juli Leal, Rafael Calatayud, Ramón Moreno, Vicente Genovés, entre otros.

Recibe el premio a la “Mejor Interpretación Femenina” en los Premios de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana 1999 por su personaje histórico de María Calderón “La Calderona” en La Puta Enamorada”.

Coautora del material Educa con Música. Guía Didáctico-Musical para el desarrollo de las competencias básicas (Consejería de Educación, Cultura y Deporte del Principado de Asturias, 2014). En formato LIBRO+DVD.

Coautora del libro Artes escénicas para Bachillerato y ESO (Micomicona, 2018).